作品

方形锥体

布面丙烯 / 160x90cm / 2024

¥ 48000

我的绘画实践并⾮围绕某⼀种固定风格或明确主题展开，⽽更接近⼀种持续发⽣的过程。早期创作中，我习惯以相对理性的⽅式进⼊绘画：在画⾯建⽴之前，主题、结构与图像关系往往已经在脑海中形成。但随着创作时间的推移，我逐渐意识到这种计划性正在削弱绘画本⾝所能承载的真实感受。近⼏年的创作转向，是⼀次有意识的松动与让位——我开始允许情绪、冲动与不稳定的感知直接进⼊画⾯结构，⽽不再要求绘画必须服务于⼀个预先设定的概念。⼈物逐渐被抽离。取⽽代之的，是建筑、飞⾏器、装置性形体以及被规划过的地貌。这些物体并⾮单纯的景观元素，⽽是⼀种拟⼈化的替代物：它们承担着“肖像”的功能，指向⼈的状态⽽⾮⼈的形象。⾼耸、孤⽴、悬停或失效的结构，成为情绪、意识与⼼理张⼒的外化⽅式。空间因此不再是背景，⽽成为⼀种被激活的主体系统——⼀个在缺席中持续运作的场域。在 2024 ⾄ 2025 年的创作阶段中，我的绘画经历了明显的变化。早期画⾯仍然保留着可被阅读的空间逻辑：前后关系、观看路径与象征指向相对清晰，图像在隐喻层⾯能够迅速建⽴意义。但随着创作推进，这种稳定性开始被削弱。我逐渐减少叙事线索，让意义延后⽣成，甚⾄悬置不决。绘画不再急于说明“发⽣了什么” ，⽽是转⽽关注⼀个更基础的问题：当叙事与象征退场之后，绘画是否仍能依靠结构、节奏与张⼒成⽴。这⼀阶段中，作品在形式与风格上的差异显得尤为明显。不同作品之间可能在⾊彩、构图与空间处理上呈现出较⼤的跳跃，但这种变化并⾮源⾃⽅向的反复修正，⽽是同⼀问题在不同⼼理压⼒与感知条件下的并置结果。我更愿意将这些作品视为状态的切⽚，⽽⾮线性发展的系列。它们记录的是绘画在不同⽣成条件下如何回应现实，⽽不是对某⼀种视觉解决⽅案的重复。 “ 不稳定 ” 在我的创作中并不意味着未完成，恰恰相反，它是⼀种被保留下来的⼯作状态。在后⽹络时代，图像早已⾼度饱和，意义被快速⽣产、快速消费。在这样的现实语境中，我对“完成度”与“风格统⼀”的警惕，源于对过度可识别性的拒绝。我更关⼼绘画是否仍然能够作为⼀种开放的结构，容纳迟疑、错位与尚未凝固的经验。画⾯中的停滞、失效与悬置，并不是消极的结果，⽽是对当代感知状态的⼀种回应。因此，我并不试图通过绘画建⽴⼀个封闭的世界观，⽽是不断测试图像⾃⾝的承载极限。当意义尚未被语⾔或叙事固定，绘画如何先于概念发⽣？当结构失去原有的功能指向，它是否仍然能够维持⾃⾝的张⼒？这些问题构成了我当前创作的核⼼动⼒。对我⽽⾔，绘画不是对答案的呈现，⽽是⼀种持续展开的提问⽅式。在这个过程中，变化并⾮问题本⾝，⽽是⼯作得以继续的必要条件